Desordre

I Tesori del Principe

Avrebbe dovuto chiudere il 31 maggio invece è stata prorogata fino al 3 giugno la mostra che espone 80 opere delle Collezioni del Principe del Liechtenstein. L’incontro tra il Forte di Bard e il principato incastonato tra la Svizzera e l’Austria nasce dalla condivisione della medesima cultura alpina dei Walser.
La selezione di opere racconta la grandezza di una casata che fin dalle origini ha sempre avuto un grande rapporto con il collezionismo d’arte: l’ultima collezione privata di una casata europea fu la prima a trasformarsi in un museo a pagamento nel palazzo estivo di Vienna, di cui fu un polo culturale fino al 1938 quando l’Anschluss nazista portò alla chiusura del Museo, che è stato riaperto solo nel 2004 in seguito a ristrutturazione architettonica e alla caparbietà con cui i principi hanno riacquistato opere che nel tempo sono andate perdute. Un esempio molto positivo di connubio tra ricchezza e arte da tenere presente in un momento in cui le case d’asta battono cifre da record mondiale. La completezza delle Collezioni Liechtenstein emerge fin dalla prima sala dedicata a Rubens dove dell’opera Marte e Rea Silvia troviamo in mostra il primo schizzo ad olio, il dipinto definitivo ad olio ed il pregevole arazzo di Jan Raes I che riprende fedelmente l’opera di Rubens.

Le opere esposte ripercorrono tre secoli di storia, dal tardo gotico cinquecentesco di Cranach al Biedermeier viennese della prima metà del XIX sec.
Tra i fiamminghi spicca un Ritratto di uomo di Van Dyck che si segnala per la finezza psicologica e un Trionfo della morte di Brueghel il giovane. Degli olandesi mi ha particolarmente colpita da Il suonatore di violino di Gerard Dou.
Ovviamente nella mostra un grande spazio è andata alla sezione degli italiani, due sculture del Giambologna la cui Venere Callipigia potrebbe conciliare molte donne con il proprio fondoschiena, opere di Guido Reni, dei Procaccini, una raffinatissima signora austriaca per il Ritratto di donna di Solimena, una mirabile copia in bronzo del Bacco michelangiolesco realizzata da Massimiliano Soldani-Benzi (che pare non soddisfece troppo il principe che aveva commissionato l’opera).
Vedute di Canaletto, Capricci romani di Locatelli per terminare con un capolavoro di Francesco Hayez (che non per nulla è stato scelto per il manifesto) Il Consiglio alla Vendetta. Il vedutismo ci introduce al romanticismo e non si può non menzionare la drammatica Eruzione del Vesuvio di Notte del viennese Josef Rebell.

Interessante la quadreria biedermeier, stile che conoscevo più per i mobili che gli esiti pittorici: il ritorno a uno stile familiare, semplicistico (a cui rimanda lo stesso aggettivo bieder) come reazione culturale alla magniloquenza del classicismo napoleonico porta a un risultato tenerissimo come il Ritratto della Principessa Maria Franziska del Liechtenstein all’età di due anni di Friedrich von Amerling.

I Tesori del Principe
dal 9 dicembre 2001 al 3 giugno 2012
Forte di Bard
Valle d'Aosta

Dark shadows

Nella seconda metà del ’700 la famiglia Collins si trasferisce nel Nuovo Mondo ed impianta nel Maine l’impresa ittica di famiglia; gli affari prosperano e il villaggio prende il nome di Collinsport. Barnabas Collins è l’erede di questo impero ma commette l’errore di avere una tresca con una cameriera, Angelique. La ragazza che si è innamorata follemente, è una strega e quando vede Barnabas innamorarsi di Josette induce la ragazza al suicidio, maledice la famiglia e trasforma l’amato in un vampiro facendolo poi rinchiudere in una bara. Nel 1972 durante dei lavori stradali, Barnabas viene accidentalmente liberato dalla sua tomba prigione e si reca a casa dove trova gli eredi dei Collins sull’orlo della rovina mentre Angelique ha prosperato a loro spese ma la strega sarebbe ancora disposta a dividere il suo impero con l’indimenticato Barnabas..

Per la sua ultima fatica Tim Burton si ispira a una serie televisiva americana andata in onda sul finire degli anni ‘60, il risultato è un divertissement che ha innanzitutto il merito di ridare dignità gotica alla figura del vampiro dopo lo scempio che ne ha compiuto la saga di Twilight: come al solito non si può non amare lo sventurato Barnabas ridotto a vampiro dal maleficio di Angelique ma come sempre Burton non esita a mostrarci il lato oscuro del suo eroe, costretto ad uccidere brutalmente gli operai che lo hanno liberato dalla secolare prigionia per soddisfare l’attrettanto secolare sete di sangue. Si può parteggiare per un vampiro che uccide e dissangua senza la deviazione etica di Twilight o The Vampire Diaries o True Blood in cui i vampiri buoni scelgono di rifiutare il sangue umano e si limitano a quello animale o a dei surrogati. Dark Shadows andrebbe apprezzato solo per il fatto di aver rimesso le cose a posto una volta per tutte!
Il film non sarà una delle vette burtonianie ma personalmente la gioia di ritrovarmi nel mondo di Burton batte il rischio del manierismo e ritrovo con piacere certe espressioni di Edward Mani di Forbice sul viso nuovamente pallido del Barnabas di Johnny Depp e apprezzo anche che la nuova fidanzata appena trasformata trascolori in un volto assai simile a quello de la sposa cadavere. Tim Burton, comunque, non si limita ad aggiornare la sua galleria di personaggi strambi e mostri dal cuore umano, Dark Shadows indaga il tema dell’amour fou con il tormentato personaggio di Angelique Bouchard, strega divorata dall’”odi et amo” odiosa e disperata, ottimamente interpretata da Eva Green.

MARILYN MONROE 50 anni fa come oggi IL MITO

Dedicata ad una stella la cui luce non si è mai spenta.  
S’intitola MARILYN MONROE 50 anni fa come oggi IL MITO la mostra allestita dal  26 maggio al 10 giugno 2012 nei locali dell’Ex Cinema Moderno, viale Po 15 a Crescentino (Vercelli), dove negli anni '50 lo struggente splendore dell’attrice tante volte ha  illuminato il grande schermo. Non ci sarebbe  dunque spazio più adatto per ospitare l’eccezionale esposizione, frutto dell’appassionata ricerca di un collezionista, di oltre 500  immagini e di  un gran numero di riviste, cartoline, poster, locandine e documenti, alcuni unici e rari, legati alla vicenda pubblica e privata di una diva e di un donna indimenticabile.
Di speciale significato artistico e simbolico è l’opera di Ugo Nespolo, artista di fama internazionale e presidente del Museo Nazionale del Cinema di Torino, che ha voluto essere presente con un ritratto dell’attrice,  vera e propria icona del ‘900, a cui ha dedicato la personale Marilyn. Il sogno infranto.

MARILYN MONROE 50 anni fa come oggi IL MITO,  ideata, organizzata e curata da  CMT, Collezioni Mostre Turismo Onlus, gode del patrocinio del Comune di Crescentino, della Regione Piemonte, della Provincia di Vercelli, del Consiglio Regionale del Piemonte, del Museo Nazionale del Cinema di Torino ed è stata possibile grazie all’aiuto e alla collaborazione  dell’Associazione Culturale Onlus Elegguà e dell’Agriturismo Riso Greppi, a cui si deve la pubblicazione del catalogo.

Una fotografia del 1945  ci svela Marilyn diciannovenne.  
Si chiama Norma Jean Baker, è  ragazza dallo sguardo triste vestita in modo austero.  In altri scatti sorride sulla neve o sorregge un agnellino, apparentemente spensierata. Ha già alle spalle il naufragio di un matrimonio quando inizia la carriera di fotomodella. Apparirà scandalosamente sul primo numero di Playboy  e presto i suoi capelli castani diventeranno biondo platino. Sta nascendo la stella destinata a conquistare Hollywood ed il mondo.
E’ del 1948 una  rara fotografia  di Scudda Hoo! Scudda Hay! il primo film in assoluto di Marilyn. Niente più di una breve apparizione ma la sua straordinaria bellezza non può passare inosservata.
La mostra segue, passo dopo passo, la sua ascesa d’attrice,  proponendo scene memorabili di Niagara e Quando la moglie è in vacanza (il suo sorriso disarmante e compiaciuto nella celebre sequenza della gonna bianca, che si alza sulla griglia di areazione della metropolitana, è uno dei momenti più celebri della storia del cinema). E ancora, per citarne alcuni, Gli uomini preferiscono le bionde, Fermata d'autobus, A qualcuno piace caldo, tutti film che esaltano il fascino, la voce ed il talento di questa donna baciata dal successo e dalla fortuna, eppure drammaticamente sola.        

Così, nell’esposizione, accanto alle immagini del trionfo sugli schermi, si susseguono quelle di una vita segnata da una disperata richiesta d’amore: il naufragio dei suoi matrimoni con Joe Di Maggio ed Arthur Miller, le tante avventure, gli eccessi impietosamente riportati dai rotocalchi, le storie intrecciate con i fratelli Kennedy, la sua tragica fine dell’agosto del 1962, ancor oggi avvolta nel mistero, che ha contribuito, tristemente, alla nascita del mito.  
  
I curatori, per ricordarla a 50 anni dalla scomparsa, bandendo ogni morbosità,  suggeriscono una visione ed una lettura della mostra cariche di tenerezza e delicata partecipazione.  Come spiega il critico d’arte Massimo Olivetti nella presentazione in catalogo: “Mito e sogno s’intrecciano, si confondono e si alimentano nella raccolta e nella rassegna di immagini che ripropongono attimi e momenti, che replicano all’infinito ogni pezzetto di Marilyn, del suo sorriso, del suo latteo candore, della sua sconfinata infelicità alla ricerca di un salvatore. A lei ed a noi è dedicata questa mostra, alla sua persona e alle nostre chimere. Alberto Barbera, direttore del Museo Nazionale del Cinema di Torino, custode dei sogni e dei miti in celluloide, ne ha colto il significato offrendo il patrocinio. Ed Ugo Nespolo, presidente del medesimo museo, lo ha affiancato, esponendo una sua opera dedicata a Marilyn.”

MARILYN MONROE
50 anni fa come oggi
IL MITO
26 MAGGIO – 10 GIUGNO 2012
Locali ex Cinema Moderno
Viale Po, 15
CRESCENTINO
(Vercelli)
Inaugurazione sabato 26 maggio, ore 16.30
Ingresso libero
Orari:
sabato e domenica: 9.30- 19.30 / 20.30 – 23.00
lunedì – venerdì: 15.00 -19.30 / 20.30-23.00

Umbriametraggi 2012

Scade il 25 maggio il bando per cortometraggi di registi umbri nell’ambito dell’Umbria Film Festival 2012

L'associazione Umbria Film Festival organizza la sesta edizione di Umbriametraggi, concorso per cortometraggi di filmmaker umbri, con l'intento di promuovere e divulgare, attraverso il festival, le loro opere. C’è tempo fino al 25 maggio per tutti i registi nati, residenti o domiciliati in Umbria per inviare i propri cortometraggi. I lavori dovranno essere caricati direttamente dai partecipanti su YouTube e il relativo link inviato all'indirizzo umbriametraggi@gmail.com. Il bando completo è scaricabile dal sito www.umbriafilmfestival.com

Tra i cortometraggi pervenuti, la giuria dei soci di Umbria Film Festival selezionerà quelli che andranno partecipare alla sezione Umbriametraggi 2012 e che saranno quindi proiettati durante la sedicesima edizione dell’Umbria Film Festival che si terrà a Montone dall’11 al 15 luglio 2012. Al miglior corto della sezione, scelto da un'apposita giuria, sarà assegnato il Premio Augustuscolor, lo storico laboratorio di postproduzione, sponsor del premio.

Oltre al cinema nella sua dimensione internazionale, l'Umbria Film Festival cura da sempre la ricerca sul territorio di nuovi soggetti cinematografici. Oggi infatti i festival restano l'unico circuito attraverso i quali i nuovi linguaggi, le nuove tendenze espressive, le ultime sperimentazioni possono essere distribuiti e raggiungere non solo il pubblico,ma soprattutto gli addetti ai lavori che frequentano queste manifestazioni. In tal senso l'Umbria Film Festival,sempre sensibile al cinema indipendente, ha creato la sezione Umbriametraggi per dare risalto alle produzioni degli autori del nostro territorio: una selezione di corti e medio-metraggi di filmmaker che sono nati o risiedono in Umbria.

Per informazioni:
umbriametraggi@gmail.com
info@umbriafilmfestival.com
www.umbriafilmfestival.com

Ufficio stampa:
REGGI&SPIZZICHINO Communication

The Avengers

L’uso dell’energia generata dal Tesseract apre un portale spaziotemporale da cui i Chitauri si riversano sulla Terra guidati da Loki, il fratellastro esiliato di Thor. Anche se il progetto Avengers era stato abbandonato solo l’alleanza dei supereroi potrà salvare il pianeta dalla distruzione..

Finalmente è arrivato l’epilogo a cui ci avevano a lungo introdotto i due film dedicati a Iron Man, e quelli su Captain America, Thor e la seconda versione di Hulk, il supereroe più sfortunato visto che dal 2003 è stato interpretato da tre diversi protagonisti, Ang Lee aveva scelto Eric Bana, poi Ed Norton ne aveva vestito i panni nel film propedeutico a The avengers e oggi tocca a Mark Ruffalo cedere alle lusinghe del blockbuster targato Marvel e vestirne gli stracciatissimi panni. Sarà per ripagare tutti questi bistrattamenti che il rabbioso ed instabile professor Banner è il perno della vicenda di questo primo capitolo degli Avengers? Forse.
La saga dei vendicatori non si discosta dallo stile delle pellicole che ne hanno creato l’attesa: un mix di scene d’azione convulse e battute ironiche. La ricetta funziona e lo spettatore esce soddisfatto per aver avuto quanto si aspettava, eppure dietro la vernice del blokbuster di puro intrattenimento si cela qualcosa di inquietante. L’immaginario a cui si rifà The avengers non è per niente originale anzi è una miscellanea dei più grandi successi degli ultimi quarant’anni: impossibile non pensare a Star Wars citato espressamente nella scena di avvicinamento di un veivolo alla portaerei volante, Nick Fury è vestito tale e quale a Morpheus di Matrix gli invasori hanno qualcosa di Alien e qualcosa degli orchetti de Il signore degli Anelli. Questo citazionismo esasperato non è (solo) mancanza di fantasia, del resto le astronavi chitauriane ispirate ai pliosauri (dinosauri marini) sono una bella novità; è come se The avengers volesse chiamare a raccolta tutti gli eroi dell’immaginario filmico americano e del resto il perchè diventa subito chiaro: si mette in scena la distruzione di New York riprendendo fedelmente l’attentato alle Torri Gemelle. The avengers non è un innocuo blockbuster, è uno scatto d’orgoglio a dieci anni dalla tragedia, un avvertimento ai nemici dell’America che ancora tramano nell’ombra.
Curiosità: l'aereo che attacca Capitan America mentre Iron Man cerca far ripartire uno dei quattro motori della portaerei volante è una leggera elaborazione dei discussi cacciabombardieri F-35 comprati dallo stato italiano.

Scandalo a Filadelfia

The Philadelphia Story
Usa 1940 MGM
con Katharine Hepburn, Cary Grant, James Stewart
regia di George Cukor

L’altezzosa Tracy Lord, una delle più ricche ereditiere di Filadelfia, è alla vigilia del secondo matrimonio con un magnate di umili origini, George Kittredge. L’ex marito C. K. Dexter Haven vende l’esclusiva del matrimonio a un giornale di gossip e fa passare il cronista e la fotografa che devono seguire l’evento per amici del fratello della sposa. Parrebbe un dispetto all'ex moglie ma in realtà Dexter ha ceduto al ricatto del direttore del giornale per evitare lo scandalo che colpirebbe la famiglia se venisse pubblicato un articolo sulla tresca che il padre di Tracy ha avuto con una ballerina e perciò avvisa i Lord sulla vera identità degli improvvisi ospiti. Dopo un primo scontro Tracy scopre che il giornalista Macaulay “Mike” Connor è in realtà uno scrittore dall’animo profondo e tra i due scatta l’attrazione proprio la sera prima del matrimonio: George sarà comprensivo con la sventatezza della promessa sposa?

Celeberrimo capolavoro della commedia sofisticata americana passato alla storia, oltre che per i meriti artistici, per aver rilanciato la carriera di Katharine Hepburn, soprannominata negli anni precedenti veleno dei botteghini per gli insuccessi teatrali a cui legò il proprio nome. La caparbia attrice acquistò i diritti della commedia e raddrizzò definitivamente la sua carriera con l’aiuto di Howard Hughes come racconta anche il film di Scorsese The aviator. Mi pare romantico ricordare che il suo personaggio si chiama Tracy, come il grande amore della Hepburn, Spencer Tracy che l’attrice avrebbe incontrato sul set del film successivo, La donna del giorno (1942).

Diretto con la consueta eleganza da George Cukor, The Philadelphia story presenta tutti gli elementi classici della commedia sofisticata: scambi di persona, gag fisiche che richiamano il slapstick delle comiche (la scena d’apertura con Cary Grant che getta a terra la Hepburn spingendola all’indietro con una mano sulla faccia) girandole amorose che, con buona pace del Codice Hays aggirato dal genere comedy of remarriage (divorziati che tornano insieme dopo altre relazioni) descrivevano una società molto meno bacchettona in fatto di scappatelle matrimoniali e infatti, tutto ruota attorno alla “rossa” Tracy altera e molto dura nel giudicare gli altri: è stata lei a spingere la madre a lasciare il padre in seguito alla tresca con la ballerina. Anche il matrimonio con Dexter è fallito perchè Tracy non accetta la sua debolezza verso l’alcol. Quando le vengono rinfacciate tutte queste cose e quando prova una tenerezza con lo spiantato Mike, Tracy capirà l’importanza della comprensione e del perdono per essere felice.
Non manca la satira sociale diretta non tanto verso il bel mondo, quanto verso gli arricchiti che non hanno sensibilità e nobiltà d’animo: non ci sono grossi problemi infatti nel riconoscersi e stimarsi tra i due giornalisti e i ricchi Dester e Tracy che apparentemente non avrebbero nulla in comune.
I capolavori sono tali perchè offrono una lettura nuova con il mutare dei tempi: oggi, che il gossip è uscito dal sottobosco delle riviste dedicate per regnare sulle testate più autorevoli dei quotidiani, salta all’occhio il fastidio con cui era visto dalla buona società di una volta.
Il film vanta un remake (Alta Società, 1956) di tutto rispetto in quanto a cast: Grace Kelly Bing Crosby, Frank Sinatra e la presenza di Louis Armstrong ma la bravura del trio Hepburn, Stewart, Grant resta inarrivabile: Katharine Hepburn è splendente e Cary Grant superbo mentre James Stewart vinse inaspettatamente il suo unico Oscar come attore protagonista forse per compensare quello perso l’anno precedente per Mr. Smith va a Washington citato in Scandalo a Filadelfia nel fervore con cui Mike detta la lettera che denuncia le nefandezze del direttore del giornale.

Press Play. L’arte e i mezzi d’informazione

La mostra attualmente in corso alla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo di Torino propone un’interessante riflessione sui media, in un epoca in cui siamo sovraesposti all’informazione visiva, non a caso a colpirmi di più sono stati le opere che non usavano il video come mezzo per indagare il rapporto mediatico.
Di sicuro impatto è l'opera di Hans Peter Feldman 12/9 Frontpage che raccoglie più di centocinquanta prime pagine di quotidiani di tutto il mondo del 12 settembre 2001, il giorno seguente l’attentato alle Torre Gemelle. A più di un decennio di distanza l’ossessiva rappresentazione del messaggio dai toni apocalittici crea un forte senso di oppressione e conferma definitivamente che quella data è uno spartiacque fondamentale nella storia dell’umanità.
Thomas Hirshhorn propone Ingrowth opera del 2009 che mi ha fatto fortemente riflettere: quattro manichini femminili che rappresentano le quattro virtù Fede, Speranza, Grazia, Verità mutilati da enormi fori e legate dalla treccia dei capelli una volta a modelli scientifici che mostrano l’interno del corpo umano, oppure a una serie di giocattoli che rappresentano degli eroi dei fumetti e per finire a foto di cronaca molto esplicite nel mostrare vittime di sparatorie e per questo rifiutate dai media. Di fronte a quest’ultima istallazione che dovrebbe far inorridire al solo pensiero mi sono accorta di non provare quasi emozioni perchè scene del genere sono proposte con una certa frequenza dal cinema horror e non solo. Sono diventata indifferente per troppa sovraesposizione a immagini raccapriccianti o il pensare che quelle teste spappolate siano COME quelle dei film è un’estrema forma di difesa?
Se l’opera di Hirshhorn mi pone delle domande mi ha angosciato il Kessler’s circus di John Kessler, ispirato alla celebre opera di Calder, Calder’s Circus: Kessler ripropone una fantasia di oggetti in movimento sotto una tenda da campo militare e i personaggi sono soldatini spesso mutilati che vorticano furiosamente ripresi ognuno dalla propria telecamera che ne riflette l’immagine su una serie di schermi posti ai lati dell’istallazione, una follia ipercinetica e tragica che arriva dritta allo stomaco, forse perchè riprende modelli legati all’innocenza dell'infanzia e del gioco.

Press Play. L’arte e i mezzi d’informazione
Fondazione Sandretto Re Rebaudengo
Via Modane 16, Torino
2 Febbraio - 13 Maggio 2012

CinemaSpagna - Festival del cinema spagnolo

Torna a Roma, dal 4 al 10 maggio 2012, CinemaSpagna, il festival del cinema spagnolo giunto alla sua quinta edizione, che presenterà come di consueto al Cinema Farnese Persol di Campo de’ Fiori, le ultime novità del cinema iberico, dai lungometraggi ai film di animazione.
Il festival, diretto da Iris Martín Peralta e Federico Sartori, è prodotto da EXIT med!a in collaborazione con l’Ambasciata di Spagna, la Reale Accademia di Spagna, l’Istituto Cervantes di Roma, Turespaña, l’Istituto Ramon Llull e l’ICAA.

Film di apertura, venerdì 4 maggio alle ore 21 in anteprima italiana, No habrá paz para los malvados il thriller-noir diretto da Enrique Urbizu e interpretato da José Coronado (che presenteranno il film venerdì 4 maggio introdotti da una performance musicale di Louis Siciliano, con drink offerto al pubblico) che ha battuto anche Pedro Almodóvar ai recenti Premi Goya, vincendo 6 statuette, tra cui Miglior Film, Regista, Attore Protagonista e Sceneggiatura Originale. Santos Trinidad, violento poliziotto, dopo aver ucciso a sangue freddo tre uomini in un locale a luci rosse, deve fare i conti con l’unico superstite che potrebbe incolparlo. Comincia così una caccia all’uomo parallela in una Madrid inedita e fuori legge.

Evento speciale di chiusura (gratuito) è Madrid, 1987, l’ultima perla di David Trueba con María Valverde (già in Melissa P. e nei due remake spagnoli di Tre Metri sopra il cielo e Ho voglia di te); riflessione sulla vita, l’arte, i passaggi generazionali, in concorso al Sundance Festival, che racconta il rapporto fisico e intellettuale tra un professore maestro e una sua allieva.

Il tema dell’Alzheimer è invece al centro del lungometraggio di animazione Arrugas, di Ignacio Ferreras, vincitore di due Premi Goya 2012 come miglior film di animazione e come miglior adattamento, tratto dal fumetto omonimo (tit. ita. Rughe, edito da Tunuè) di Paco Roca, esempio di animazione sofisticata capace di incantare giovani e adulti. Il film racconta di Emilio, ex direttore di banca, in pensione, che viene man dato dal figlio in una casa di riposo. Lì divide la sua stanza con il pragmatico Miguel, e passa i suoi giorni in compagnia con gli altri ospiti del geriatrico. Quando Emilio manifesta i sintomi di una malattia che nega d’avere (l’Alzheimer, appunto), Miguel lo aiuta a nasconderli agli occhi di medici e infermieri che altrimenti lo trasferirebbero al temutissimo “piano superiore”.

Quindi, il film vincitore del Festival di San Sebastian, Los pasos dobles, di Isaki Lacuesta, road-movie interamente girato in Mali, la storia del pittore François Augiéras, interpretata dal grande artista Miquel Barceló che presenterà il film martedì 8 maggio (alle 21).

Lunedì 7 maggio alla presenza del regista Carles Torras e dell’attrice toscana Alice Bocchi sarà presentato Open 24h, che racconta di Héctor, guardia notturna che si prende cura del fratello affetto da una malattia psicofisica. Una favola nera dagli echi bressoniani e dal forte impatto socio-politico.

Quindi l’intrigo comico-horror di Lobos de Arga - Lupi in Galizia di Juan Martínez Moreno, con Gorka Ochoa, premiato all’ultimo Fantasporto e reduce dal grande successo di pubblico a Sitges. Una commedia “bestiale”: la storia di una terribile maledizione che trasforma il figlio neonato di una duchessa in lupo mannaro. Passati cent’anni, un giovane scrittore in erba, ultimo discendente maschio della casata, ritorna ad Arga, inconsapevole di essere il prescelto per sfatare la maledizione.

Spazio alla commedia brillante con Primos, di Daniel Sánchez-Arévalo, con Inma Cuesta, la storia di Diego, lasciato dalla propria ragazza, il giorno prima di salire sull’altare, che parte alla ricerca di un vecchio amore e della spensieratezza data dalla compagnia dei due cugini.

Tredici registi per tredici episodi di un’unica storia: è Puzzled Love, innovativo progetto degli allievi dell’ultimo anno della scuola ESCAC di Barcellona. Tredici episodi che raccontano una storia d’amore lunga un anno raccontata mese per mese. Il film, costato 12mila euro e presentato al Festival di san Sebastian sarà proiettato domenica 6 maggio alla presenza di una dei registi, Alba Giralt e l’attore protagonista, Marcel Borràs.

La retrospettiva “3 comedias + 1” dedicata alla commedia pura y dura, genere che ha sempre contraddistinto la cultura e la cinematografia spagnola, si compone di titoli ormai ritenuti dei classici della recente cinematografia iberica: Familia (1996), opera prima e Premio Goya, di Fernando León de Aranoa. Magistrale meccanismo di scatole cinesi, che porta la narrazione a profondità di toni impareggiabili. Sin vergüenza (2001), di Joaquín Oristrell, capolavoro sul mondo degli attori con Verónica Forqué (la Kika di Almodóvar). El otro lado de la cama (2002), di Emilio Martínez-Lázaro, con Ernesto Alterio e Paz Vega. Campione d’incassi in patria che ha lanciato un cast di future stelle. Días de fútbol (2003), di David Serrano con Fernando Tejero, vincitore del Premio Goya come miglior attore rivelazione. Cast di lusso per un’altra commedia campione d’incassi e risate made in Spain.

L’omaggio di questa quinta edizione di CinemaSpagna è dedicata al genio di Luis Buñuel con la proiezione speciale de L’angelo Sterminatore (El ángel exterminador) nel 50° anniversario del capolavoro che nel 1962 si aggiudicò il Premio FIPRESCI al Festival di Cannes, e di Simon del desierto, cult incompiuto del 1965, che conquistò il Leone d’Argento e il Premio FIPRESCI alla Mostra di Venezia.

Tutte le proiezioni di CinemaSpagna sono in versione originale con sottotitoli in italiano (vedi il programma completo).

Info
www.CinemaSpagna.org

Cinema Farnese Persol
Piazza Campo dè Fiori, 56 – Roma
Tel. 06 6864395
Biglietto intero: 6 euro
Biglietto ridotto: 4 euro (studenti, over 60, tutti gli spettacoli in fascia pomeridiana)
Per eventi gratuiti, consultare il programma
Promozione: Vedi 4 film, il 5° è gratuito

Ufficio stampa
REGGI&SPIZZICHINO Communication
www.reggiespizzichino.com

CINEMENTE - rassegna di psicoanalisi e cinema

Palazzo delle Esposizioni - Sala Cinema
8 - 13 maggio 2012

CINEMENTE
rassegna di psicoanalisi e cinema

promossa da
Società Psicoanalitica Italiana, Cineteca Nazionale - Centro Sperimentale di Cinematografia, Palazzo delle Esposizioni

INGRESSO LIBERO FINO A ESAURIMENTO POSTI

Un’occasione unica per guardarci allo specchio mescolando cinema e psicoanalisi, in un progetto inedito e stimolante, che unisce la visione di film dedicati a temi centrali del nostro essere, all’analisi diretta di registi e psicoanalisti messi a confronto. Molti film ci hanno smosso in profondità e fatto scoprire lati nascosti della nostra mente; come in un sogno ad occhi aperti, ci hanno rivelato ciò che siamo e soprattutto quello che vorremmo essere. Il cinema, come laboratorio di sogni ed emozioni, condivide con la psicoanalisi lo stesso terreno di ricerca: l’uomo, i suoi pensieri e comportamenti e, soprattutto, le sue motivazioni. Cinema e psicoanalisi, anche se in ambiti molto diversi, analizzano la vita di ogni giorno per rivelarci i segreti del carattere umano. Questa rassegna propone una selezione di opere che guardano con straordinaria sensibilità alle difficoltà del vivere quotidiano, e attraverso la discussione tra psicoanalisti, registi, critici e pubblico vuole approfondire diversi aspetti della realtà di ogni individuo, alle prese con elementi concreti, come il denaro e il potere, intrecciati con altri più intimi e profondi, come i rapporti affettivi, la religiosità o il tema della colpa. Gli incontri sono introdotti da Fabio Castriota, Presidente del Centro Psicoanalitico di Roma e da Enrico Magrelli, Conservatore della Cineteca Nazionale - Centro Sperimentale di Cinematografia.

8 maggio, ore 20.30
LA SCOPERTA DELL’INCONSCIO
Proiezione di I misteri di un’anima di Georg Wilhelm Pabst (Germania, 1926, 71’)
Segue incontro con Lucio Russo e Enrico Magrelli
Capolavoro del cinema muto, girato nel momento del pieno sviluppo del pensiero di Freud, con la consulenza diretta dei suoi allievi, è un’opera modernissima che ci introduce ai temi fondanti della psicoanalisi.

9 maggio, ore 20.30
I SEGNI DELLA VIOLENZA
Proiezione di Ruggine di Daniele Gaglianone (Italia, 2011, 109’)
Segue incontro con Anna Nicolò e il regista
La nostra periferia desolata è un terreno fertile solo allo sbocciare della violenza per il gruppo di bambini al centro di questo film intenso, costretti, fra avventure, giochi e drammi, a scontrarsi con la distruttività e la morte.

10 maggio, ore 20.30
IL MARITO DI MIA MADRE, LA MOGLIE DI MIO PADRE
Proiezione di La bellezza del somaro di Sergio Castellitto (Italia, 2010, 107’)
Segue incontro con Manuela Fraire e Lidia Vitale, attrice
I cambiamenti della struttura familiare sono ormai al centro della nostra società, come osserva questo film ironico ma sempre attento alle esperienze dei genitori, spesso insicuri e incompleti, e a quelle dei figli, svegli, esigenti e talvolta giudici implacabili.

11 maggio, ore 20.30
NUOVI GENERI E IDENTITÀ SESSUALI
Proiezione di La bocca del lupo di Pietro Marcello (Italia, 2009, 76’)
Segue incontro con Amalia Giuffrida e il regista
In un mondo dove l’identità sessuale sembra perdersi in generi indefiniti, questo film ci introduce alla dimensione perturbante, con il racconto coraggioso e poetico di due vite ai margini, che unisce documentario e finzione.

12 maggio, ore 10.30
FILMAMI L’ANIMA: PSICOANALISTI NEL CINEMA
Proiezione di Lo schermo opaco di Paolo Boccara e Giuseppe Riefolo (documentario, Italia, 2007, 55’)
Segue tavola rotonda con Paolo Boccara e i registi Cristina Comencini e Stefano Gabrini
Due psicoanalisti hanno montato le migliori scene cinematografiche di ambientazione psicoanalitica, alternandole a interviste a noti terapeuti: un’occasione efficace per riflettere con gli ospiti sull’evoluzione della disciplina freudiana attraverso la prospettiva cinematografica.

ore 17.00
LA COLPA E LA PENA
Proiezione di La solitudine dei numeri primi di Saverio Costanzo (Italia, 2010, 118’)
Segue incontro con Giovanni Foresti e il regista
I numeri primi, indivisibili se non per se stessi o per uno, sono la metafora della solitudine, dell’isolamento spesso forzato per sottrarsi al senso di colpa: uno dei grandi temi della ricerca psicoanalitica affrontato in un’opera toccante.

ore 20.30
IL COLORE DEI SOLDI
Proiezione di Il gioiellino di Andrea Molaioli (Italia, 2011, 110’)
Segue incontro con Stefano Bolognini, Anna Ferruta e il regista
Come la psicoanalisi si interroga sull’influenza del potere e del denaro sull’individuo, anche questo film di attualità rivolge uno sguardo introspettivo su personaggi emblematici della realtà economica del nostro paese, risucchiati dalle dinamiche di una finanza degenerata.

13 maggio, ore 10.30
IMMAGINI, SUONI E PAROLE TRA PSICOANALISI E CINEMA
Tavola rotonda con Andrea Baldassarro, psicoanalista; Luca Bigazzi, direttore della fotografia; Theo Teardo, compositore; Alessandro Zanon, tecnico del suono; Ludovica Modugno, attrice
Cinema e psicoanalisi utilizzano gli stessi registri - parole, immagini, suono, tonalità della voce - ma con fini diversi, anche se altrettanto significativi. Alcune tra le maggiori personalità del nostro cinema ne discutono con gli psicoanalisti.

ore 17.00
ALL’ORIGINE DELLA RELIGIONE
Proiezione di Io sono con te di Guido Chiesa (Italia, 2010, 102’)
Segue incontro con Matilde Vigneri, il regista e Nicoletta Micheli, sceneggiatrice
Una riflessione coinvolgente e intima sulla spiritualità, grazie a un ritratto inedito di Maria, vista come madre determinata, donna in rapporto dialettico col sociale, capace di seguire il proprio istinto e mettere in discussione le regole codificate.

ore 20.30
LA TESTA DEGLI ADOLESCENTI
Proiezione di Scialla! di Francesco Bruni (Italia, 2011, 95’)
Segue incontro con Vincenzo Bonaminio e il regista
La turbolenza adolescenziale irrompe all’interno della famiglia e rimescola gli equilibri costringendo gli adulti a nuove riflessioni. Uno scontro generazionale necessario alla crescita individuale.

Informazioni
Palazzo delle Esposizioni – Sala Cinema
scalinata di via Milano 9 A, Roma
palazzoesposizioni
tel. Palazzo delle Esposizioni 06 39967500, Società Psicoanalitica Italiana 06 8415016,
Centro Sperimentale di Cinematografia 06 72294301

INGRESSO LIBERO FINO A ESAURIMENTO POSTI

Cosa piove dal cielo?

Roberto De Cesare gestisce un negozio di ferramenta in quel di Buenos Aires ed è un uomo pignolo e solitario, ai limiti della misantropia. Un giorno mentre si rilassa guardando atterrare gli aeroplani, Roberto vede malmenare un ragazzo e buttarlo fuori da un taxi, li ragazzo gli chiede aiuto ma è cinese e i due non possono comunicare se non a gesti; Roberto presta i primi soccorsi al malcapitato senza immaginare che si troverà costretto a una lunga convivenza forzata con una persona con cui non può comunicare.

Il film, ispirato a una storia vera accaduta in Giappone, si apre con la scena surreale di una mucca che cade dal cielo centrando una barca dove due fidanzatini si stanno giurando amore eterno e uccidendo la promessa sposa. Nel corso del film scopriremo che tra questo episodio incredibile e i due protagonisti c’è un legame. Potrebbe essere una storia tragica, sullo sfondo c’e’ lo spettro della guerra delle Falkland di cui quest’anno ricorre il trentennale e Cosa piove dal cielo? (Un cuento chino) è uno dei pochi film (se non il primo) distribuito in Italia a raccontarci il punto di vista argentino sul conflitto delle Malvinas piuttosto che quello inglese come nei recenti This is England o The Iron Lady.
Del resto è facile intuire cosa si nasconda dietro alla pignoleria estrema di Roberto che passa la giornata a contare se nelle scatole di viti ci sono il numero esatto di elementi, che rifiuta l’amore della vicina Mary e si muove tra oggetti che sono rimasti fermi alla fine degli anni ‘70: tutte queste idiosincrasie sono il sintomo di una vita spezzata. Il regista Sebastián Borensztein sceglie però il tono della commedia e grazie all’ottima prova dei due protagonisti (superlativo Ricardo Darín) ogni piccolo gesto e scontro diventa motivo di sorriso o risata. La trama corre su binari piuttosto prevedibili ma il cliché della strana coppia funziona perfettamente e il film si segnala per l’ironica freschezza che ne ha fatto il vincitore sia del Premio della Critica che di quello del Pubblico al Roma Film Festival 2011.